Entre las brumas de la vergüenza y la celebración de una nueva etapa en la vida de una nación escindida, el pasado 9 de noviembre los alemanes y buena parte del mundo recordaron los 18 años de la caída del Muro de Berlín. Vergüenza y celebración que rememoran un antes y un después. A finales de 1989, una intensa y heterogénea movilización ciudadana abrió las compuertas de la historia a los 16 millones de personas que conformaban la República Democrática Alemana. Unos meses antes, nadie apostaba un penique por la reunificación de un pueblo dividido y repartido por las potencias vencedoras de la II Guerra Mundial. Pero sucedió que los ciudadanos perdieron el miedo y se impusieron sobre uno de los regímenes más implacables de la órbita soviética. De hecho, fue el principio del fin del mundo comunista en Europa. La clave de este cambio profundo hay que ubicarla en la derrota del miedo.

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El último trabajo del realizador irlandés Stephen Frears se construye como una de sus películas más políticas, lo cual ya es decir bastante, pues su filmografía posee un vigoroso punto de vista social. La Reina plantea la comprensión de un personaje histórico —Isabel II de Inglaterra— en un contexto político de cambio —en agosto de 1997 el laborista Tony Blair acababa de ser elegido nuevo Primer Ministro, tras una década de férreo conservadurismo— que marcaría un nuevo rumbo para Gran Bretaña. Sin embargo, el hecho que dispara la trama del film —y también de un capítulo de la historia reciente de ese país— es la muerte de su nuera Diana Spencer, la madre de sus nietos, mejor conocida como Lady Di y rutilante protagonista de la prensa del corazón, en un accidente automovilístico en París. Comenzó, entonces, la base argumental de un guión que habría de convertirse en película y en un Oscar para Helen Mirren por su interpretación como la Reina.

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El tema es antiguo e inagotable. La juventud como encrucijada de emociones y razones, en el marco histórico de un proceso de cambios sociales. En el medio del caos —íntimo y colectivo — surge la necesidad de afrontar los dilemas y asumir las decisiones más difíciles. Sobre todo cuando una decisión individual se inserta en el marco de problemas de conjunto. Este es el nervio central de La clase, ópera prima de José Antonio Varela que explora las dudas afectivas de una muchacha en el laberinto de la música, el amor y la necesidad del ascenso social, en un país que asiste al principio de la crisis de un modelo político y económico.

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No hay comunicación inocente. Tampoco creación inocente. Eso lo sabía Miguel Ángel Asturias cuando publicó El señor Presidente en 1946, en una clara referencia a la dictadura de Manuel Estrada Cabrera. Tal como hicieron posteriormente Roa Bastos, García Márquez y Vargas Llosa en torno a la lamentablemente clásica figura del autócrata en América Latina. De la misma forma, el venezolano Rómulo Guardia adaptó al cine la novela del premio Nobel guatemalteco para establecer un vínculo significativo —no confeso— entre su historia y sus personajes con el régimen que actualmente gobierna Venezuela, aunque éste aún mantenga ciertas formas democráticas. El señor Presidente de Guardia es un film ambicioso, intenso, que no obedece a modas pero sí a una pertinencia histórica.

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A pesar de las canas y de algunos kilos demás, Alfredo Anzola sigue siendo el mismo muchacho que en 1969 —hace 38 años— andaba con su cámara de 16 mm filmando los combativos documentales La desesperación toma el poder, Santa Teresa, La papa, La fiesta de San Juan, El hombre invisible y A medio y de los trabajadores, en el marco de aquel cine latinoamericano de la época, tremendamente ideologizado y trasgresor de la estética comercial. De esta propuesta inicial pasó a una más amplia al codirigir el documental de largometraje Santana (1974), sobre la gira del legendario guitarrista mexicano Carlos Santana, y al producir FiebreSe solicita muchacha de buena presencia y motorizado con moto propia (1977) cuando se perfila más claramente su propuesta temática y estilística alrededor de la picaresca popular que habría de desarrollar en lo más importante de su filmografía. Además, ese año fundó Cine Seis Ocho, empresa que acaba de cumplir tres décadas de trabajo ininterrumpido.

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FESTIVAL DE CINE INDEPENDIENTE DE EEUU 2007.
Una selección de doce filmes que representa la variedad temática y estilística del cine de autor estadounidense. Destacan la contundente Desapareció una noche, drama que marca el excelente debut como director del actor Ben Affleck, Palíndrome, una inquietante película del polémico Todd Solondz, Noche mágica de radio, film póstumo del maestro Robert Altman que reúne a Kevin Kline, Meryl Streep, Lily Tomlin y otras estrellas, y Hairspray, nueva versión de aquel célebre film de los ochenta que dirigió John Waters, esta vez interpretado por John Travolta, Michelle Pfeiffer y Christopher Walken, entre otros. Buena oportunidad de disfrutar del mejor cine norteamericano.

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El debut en la dirección de largometrajes del actor Héctor Palma resulta —como mínimo— bastante curioso, no sólo porque Ni tan largos, ni tan cortos propone dos historias distintas —por no decir opuestas en estilo e intención— sino porque pone de relieve cierta capacidad para moverse entre el drama y la comedia sobre la base de una perspectiva ética. La duda es el punto de partida de una y otra, pero la decisión es el detonante dramático de un conjunto de situaciones donde intervienen el azar y las condiciones objetivas. Con sólo una hora de proyección, el film se dirige a dos públicos distintos que pueden encontrar una área en común. La primera es una película para adultos, la segunda para gente más joven. El resultado es muy interesante.

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Mi primera aproximación al universo de la crítica cinematográfica la tuve, a mediados de los sesenta, cuando −siendo un adolescente− leía la columna de Rodolfo Izaguirre cada miércoles en El Nacional. De pronto descubrí que la riqueza del cine era tanta que trascendía los límites de la obra fílmica. Comprendí que una película era importante no sólo por su belleza o sus ideas o sus emociones, sino también por las reacciones y reflexiones que despierta en el espectador. Me apropié de una forma mucho más amplia de disfrutarla. Aprendí que el cine existía para compartirlo. Esa fue la primera lección que me dejó Rodolfo Izaguirre, mucho antes de conocerlo en persona y de labrar su amistad. Por eso me conmueve el homenaje que el III Festival de Cine Venezolano ofreció en Mérida a ese Rodolfo irreverente y desenfadado que no cesa en su amor por la vida, que se recrea cada día en el cine y que se opondrá siempre a toda forma de censura.

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MICHAEL CLAYTON (EEUU, 2007) de Tony Gilroy, con George Clooney, Tilda Swinton, Tom Wilkinso y Sidney Pollack. El debut en la dirección del guionista Gilroy narra una historia sobre el poder económico y la manipulación de la justicia a través de la figura de un negociador que entra en crisis ante un caso muy especial. Guión, dirección y actuaciones muy profesionales con la producción ejecutiva de Steven Soderberg y Anthony Minghella.

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