Es cierto, todos sabíamos lo que Mario Silva confesó en su conversación con el jefe de la inteligencia cubana en Venezuela. No dijo nada insospechado. Solo confirmó una decena de delitos. Ante los oídos de la prensa nacional e internacional, el conductor de La Hojilla desnudó la corrupción de Diosdado, demostró la sumisión del gobierno venezolano al cubano, evidenció la fractura del oficialismo, delató la impunidad de un asesinato, reafirmó la tenencia ilícita de armas de guerra, se jactó de la manipulación de la justicia, puso en ridículo a Maduro y varias irregularidades de grueso calibre. Más allá de lo que dijo —que es bastante grave— importa quien lo dijo y las circunstancia en que lo dijo. El hombre que fue vocero servil de Hugo Chávez, durante nueve lagos años,  rindió un informe al gobierno de otro país. Allí reside el valor de la grabación que se coló a los medios y armó el escándalo que hemos vivido desde el lunes pasado. El impacto en la opinión pública —especialmente en el desilusionado chavismo de base— fue rotundo. Nadie esperaba esta confesión tan clara y directa —ni en el oficialismo ni la oposición— que abofeteó tan duramente al régimen, es decir, a los ‘enchufados de arriba’. Sin embargo, lo más importante es que esta grabación pone de manifiesto el terrible legado del caudillo. Constituye la expresión más elocuente de la degradación ética, moral y cultural de un país, gestada por el envilecimiento político, económico y social impuesto por el cabecilla de esta revolución. Todo lo que Silva confesó es el producto de esa patología que nos ha gobernado desde 1999. Lo que nos dejó Hugo Chávez.

Don Armando en su casa: la mesa está servida. Foto de Marcel Cifuentes. Tomada de http://commons.wikimedia.org.

FESTIVAL GOURMET INTERNACIONAL

Una de las ponencias más importantes del Festival Gourmet Internacional 2013 se desarrollará el sábado 20 de julio, a las 4:00 de la tarde, cuando Carlos García, chef de Alto, y la periodista Sasha Correa presenten Nuestra cocina a la manera de Caracas, un tributo colectivo y comestible al libro que hace treinta años marcó la historia de nuestra culinaria y al hombre que ha contribuido de forma clara y permanente a la formación de una cultura gastronómica en nuestro país. Mi cocina a la manera de Caracas y don Armando Scanonne serán las referencias medulares de un menú inspirado en las recetas del célebre libro rojo y elaborado por cocineros de renombre como Sumito Estévez, Héctor Romero, Helena Ibarra, Federico Tischler, Francisco Abenante, Alonso Núñez, Pascal Cherance, Enrique Limardo, Víctor Moreno y María Fernanda Di Giacobbe, entre otros. Se trata de interpretaciones contemporáneas y personales desde las entradas hasta los postres. Un homenaje muy merecido que ubica la obra de Scanonne en el tiempo y le brinda proyección. Tengo una enorme curiosidad al respecto.

Un día antes, viernes 19, el Festival Gourmet Internacional será inaugurado en su nueva sede en el Tamanaco Intercontinental y se extenderá hasta el domingo 21 en la noche. Además de las degustaciones y presentaciones de productos alimenticios, vinos y destilados, utensilios de cocina, libros y todo lo que se pueda imaginar  los visitantes podrán asistir las presentaciones de Juan Carlos Bruzual (Panaventura), Chocolates El Rey, Nury Sucre, Helena Ibarra (Arquetipos del sabor), Nelson Méndez (Amazonas: sugerente alternativa), Elías Murciano, Jacob Anaya, Felicia Santana (Cocina afrodisíaca), Víctor Moreno, Sunito Estévez, el Grupo Occidental Gastronómico (¿Carnes de tercera?), Francisco Abenante (Siembra en las alturas: huerta cocina emocional), Andreina Giordanni y Tatiana Mora (Barriga llena y sana, corazón más que contento), Adrián Yánez y Jorge Puerta (Nada sobra), Héctor Romero (América orgánica), Eduardo Moreno (Cocinando con lo que hay) y Federico Tichler, entre los que recuerdo.

Como invitado internacional participará Jacob Anaya, quien ha estado al frente de las cocina del restaurante Pahu I’a del Four Seasons Resort Hualalai, en Hawai, The Dining Room del Ritz-Carlton, en San Francisco, y en Azul Restaurant del Mandarin Oriental, en Miami. También vendrá Daniel Ovadía, joven estrella de la gastronomía mexicana, jefe de cocina de Paxia San Ángel y Paxia Santa Fe y director del Grupo Daniel Ovadía, conformado por cinco unidades de negocio que incluyen restaurantes, servicio de catering, consultoría especializada y producción de mezcales, tequilas y vinos mexicanos. Dos personajes con mucha experiencia y con ganas de compartir sus conocimientos.

Organizado por Confex, empresa especializada en ferias y exposiciones profesionales desde hace 27 años, el Festival Gourmet Internacional persiste en su intención de brindar lo mejor de la gastronomía a los amantes de la buena mesa. Por ello, ha diseñado una programación con lo mejor del talento en el mundo culinario.

Más información: www.festivalgourmetinternacional.com Facebook: Festival Gourmet Internacional y Twitter @FestGourmetVe. Telfs. +58 (212)953.97.98/ 953.50.26.

MADRE VENEOLANA, HIJA ARGENTINA

Más allá de su empaque de comedia, Nena, saludame al Diego propone como idea medular la convivencia y la tolerancia entre seres humanos. Lo hace a través de una anécdota muy divertida en torno a la relación entre Isabel, una madre viuda, muy actual y poco convencional, y Sofía y Natalia, sus hijas muy diferentes —la “buena” y la “mala”— que buscan sus propios caminos. Este primer largometraje de la venezolana Andrea Herrera Catalá se inicia con una situación dramática muy particular: el Canal Cultura, liderado por Isabel, requiere renovarse para conquistar audiencias frente a una televisión comercial, vulgar y hegemónica. Cuenta con su hija Sofía, quien ha regresado al país después de graduarse como comunicadora social en una universidad catalana, para producir un programa sobre los valores culturales de Venezuela. Pero hay un problema: por alguna extraña razón la chica se siente argentina y no venezolana. Porteña, para más señas. Su otra hija, Natalia, no quiere estudiar ni trabajar y prefiere pasarla bien con su novio. A partir de este cuadro humano la película se desarrolla con bastante soltura alrededor de un choque cultural que no se limita al campo de las nacionalidades —algo demasiado obvio— sino que se amplía hacia otras formas de conducta y de relaciones afectivas. Lo esencial es que cada una de estas mujeres vive un proceso de desarrollo personal. El mundo cambia.

Este primer largometraje de Herrera Catalá posee un tono de comedia dramática que había desarrollado en su cortometraje Eloína —integrante del tríptico 1, 2, 3 mujeres, 2008, de Herrera, Anabel Rodríguez y Andrea Ríos— alrededor de una empleada de limpieza de un bufete de abogados que realiza un hallazgo que le cambiará la vida. Para ello se valió de un humor corrosivo sobre la fragilidades de una persona frente a su propia codicia. El otro punto en común entre aquel corto y este largo radica en la fuerza del personaje femenino, que puede funcionar como catalizador de escenas indefinidas. Creo que es evidente la formulación de un punto de vista creativo alrededor de la mujer y sus condiciones de vida o acción.

En el caso de Nena, saludame al Diego destacan las mujeres sobre los hombres en un juego de situaciones desconcertantes y efectivas dramáticamente. El conflicto esencial se plantea entre la venezolanidad de Isabel (muy bien interpretada por Marialejandra Martín) y la argentinidad de Sofía (la excelente actriz argentina Sofía Bertolotto) en una suerte de duelo entre madre e hija que permite observar otras conductas y personajes que marcan un tono: la aparente indiferencia de Natalia (con el talento de Ananda Troconis), la hermana “mala”, el oportunismo de Pablo (Daniel Rodríguez), insoportable animador del canal líder, la sumisión de Joaquín (Cayito Aponte), sufrido gerente de Canal Cultura, la implacable Silvia (la española Ana Villa), “conquistadora” de audiencias, el misterioso Fernando (Alexander Leterni), silencioso novio de Natalia, y sobre todo el tropicalizado Santiago (un divertido Iair Said), funcionario de la Embajada de Argentina que se enamora de Sofía. Con este conjunto de seres la trama se construye de forma dinámica y divertida, con situaciones insospechadas y una resolución final coherente.

Gracias al guión de la venezolana Valentina Martínez, quien armó este tejido de equívocos y desenlaces, los personajes femeninos trazan una trayectoria muy interesante. Isabel, Sofía, Natalia e incluso Silvia evolucionan en sus roles y van definiendo el rumbo de la trama. Ninguna de ellas permanece igual. Por añadidura van cambiando a los hombres que las rodean. Algunos de ellos se revelan desde un punto de vista más íntimo, como Fernando o Santiago. La confrontación entre Isabel y Sofía se explica a través de la relación entre madre e hija, pero sobre todo por su condición de mujeres de distintas edades en un mundo que exige definiciones. Poco a poco surgen datos que van explicando la argentinidad de Sofía, ya por la reconstrucción familiar o por situaciones cómicas en un campo de fútbol. En el campo de la realización, Andrea Herrera no incurre en los estereotipos de argentinos y venezolanos pero sí ironiza cierto chovinismo con rasgos patrioteros.

Nena, saludame al Diego ofrece valores de producción muy profesionales, entre lo que destacan la fotografía de Arturo Vásquez Gontscharenko, el montaje de Manuel Bauer, el sonido de Mario Nazoa, la música surgida de Estudio Pararrayos y la dirección de arte de la argentina Coca Oderigo. Al frente de la producción estuvieron la propia Andrea Herrera, su madre Delfina Catalá, reconocida productora venezolana, y Andrea Rodríguez.

Lo único que pareciera reprochable es que esa Venezuela donde transcurre la historia aparece idealizada, ajena al maltrato histórico a que ha sido sometida. Esa Caracas humana, hermosa, solidaria, no se compagina con la urbe castigada por el hampa, la anarquía y la desidia. Emociona, por ejemplo, la escena en que Santiago formula preguntas fundamentales a Sofía para saber si su amor es posible, pero uno se extraña que en esa madrugada en San Agustín no los hayan atracado. Claro, son factores que la comedia suaviza y hasta sublima. Lo importante es que logra hacer reír proponiendo una reflexión sobre al necesidad de aceptarnos como somos.

NENA, SALUDAME AL DIEGO, Venezuela, Argentina y Cuba, 2013. Dirección: Andrea Herrera Catalá. Guión: Valentina Martínez. Producción: Andrea Herrera Catalá, Andrea Rodríguez, Delfina Catalá. Fotografía: Arturo Vásquez Gontscharenko. Montaje: Manuel Bauer. Sonido: Mario Nazoa. Música: Estudio Pararrayos. Dirección de arte: Coca Oderigo. Elenco: María Alejandra Martín, Sofía Bertolotto, Ananda Troconis, Daniel Rodríguez, Iair Said, Alexander Leterni, Paris Aguilar, Ana Villa, Cayito Aponte, Pepeto López. Distribución: Cines Unidos.

LUGARES DE LA MEMORIA

La memoria es infiel a la verdad, lo sabemos, pero es muy leal con las emociones. Quien recuerda y recrea a partir de sus afectos no tiene que restringirse a lo verificable. Más bien amplía su visión, más allá de la realidad, hacia los territorios del pasado que vuelven por cualquier excusa. Así siento a los personajes de Ciudades que ya no existen, el libro de relatos de Fedosy Santaella (Puerto Cabello, 1970) que fue editado en 2010 por la Fundación para la Cultura Urbana y que ha tenido un segundo aire desde el año pasado gracias a Ediciones B. Son veintidós cuentos habitados por seres que viven situaciones al borde de lo insólito, entremezclados y reactivos como si fuesen los protagonistas de una novela con capítulos sin orden. Estampas que surgen desde el pasado y exigen su presencia textual. Una misión cumplida que salda una deuda.

Sus historias se manifiestan como una forma de comprender y aprehender las experiencias de la adolescencia y del tránsito a la edad adulta. Este amplio espacio temático —que no es nuevo en la literatura, desde luego— se halla aquí matizado por una muy precisa nostalgia de lugares y aventuras, de bares y lupanares, de calles y vecinos, que pertenecen primero a Puerto Cabello y luego a Caracas para perderse en cualquier lugar. Las aventuras de un hombre que recuerda y cuenta se convierten en los testimonios de ficción de su viaje personal, hacia adentro y hacia afuera. A veces parecen crónicas, pero son cuentos. Invenciones germinadas en las vivencias provincianas y maduradas en los hallazgos urbanos. Sitios, locales, calles, números dejan de ser datos reales para aliñar la memoria, la añoranza, la conciencia de lo ido. Allí, en ese amasijo de situaciones y personajes, reside el encanto de historias muy personales que alzan la voz para ser escuchadas.

Santaella se vale del humorismo, la sexualidad, los amores perdidos, el desparpajo y las rivalidades masculinas para construir este fresco que se descorre desde sus primeras páginas y avanza de una manera no lineal, como un viaje de ida y vuelta, de nuevo hacia los muelles de la ciudad recordada. A veces los relatos se exponen en tercera persona del presente, en otros casos adquieren la voz de la primera persona en pasado, pero siempre se encuentra en sus páginas el tono de lo verosímil y personal, fundamentando en la perspectiva de lo autobiográfico. El autor no pretende ocultar esa condición. La maneja con un tono que roza lo confesional. Se despoja de ropajes morales para echar sus cuentos de amores y putas, de peleas y envidias, de hallazgos y despedidas.

Aunque no están ubicadas en una fecha precisa, es posible percibir que esas aventuras transcurren entre los ochenta y los noventa del siglo pasado, en el camino que conduce de la adolescencia en el puerto carabobeño a la juventud universitaria en Caracas. Surgen nuevos personajes que se mezclan con los primeros, de la misma forma como insospechadas tramas se yuxtaponen con las ya narradas. Es la mirada del autor la que impone el orden y permite seguir una secuencia. En Ciudades que ya no existen se hallan cuentos juveniles fraguados desde la madurez de un creador de cuarenta años, con muy amplia experiencia en el texto breve, que ha transitado también por la novela y los libros para niños  y que sigue viajando en su propia ruta.

CIUDADES QUE YA NO EXISTEN, de Fedosy Santaella. Ediciones B Venezuela, Caracas, 2012.

DOLOR, AMOR Y OTRAS ENSEÑANZAS

Es una historia dura, hermosa, sin moraleja, sobre dos seres diferentes en sus orígenes e intenciones pero afines en sus conflictos internos. Ali es un perdedor sistemático que le toca cargar con Sam, su hijo de cinco años, desde su Bélgica natal hasta la casa de su hermana en Antibes y más allá en los Alpes Marítimos franceses. Se abre camino con rudeza, sin sutilezas ni razonamiento complejo. Lo suyo es la supervivencia, ya sea buscando restos de comida en los basureros, trabajando como portero de un discoteca o liándose a puñetazos en las peleas con apuestas ilegales. Stéphanie, en cambio, está atrapada por otro tipo de violencia y trata de liberarse de una relación que parece anodina con un hombre que la cela. Pero, además, ella entrena orcas en un balneario de Villeneuve-Louvet, donde protagoniza un espectáculo para turistas. De pronto sucede algo inesperado que cambia la trama de De óxido y hueso, el nuevo drama de Jacques Audiard que une a dos personas que arrastran sus heridas vitales y tejen una relación a partir de sus dolencias. Casi al final del film otro acontecimiento vuelve a cambiar la trama de manera definitiva. Ambos comprenden que el dolor y el amor abofetean sus existencias pero también enseñan como seguir adelante.

Dueño de una filmografía notable que incluye Un profeta, 2009, De tanto latir mi corazón se detuvo, 2005, Lee mis labios, 2001, y Deja caer a los hombres, 1994, Audiard vuelve a sus personaje lacerados, sus outsiders de las calles, sus seres desesperados en situaciones extremas. El director parisino de 60 años planteó la  diferencia entre Ali y Stéphanie en la actitud vital de cada uno más que en sus distintas clases sociales. Ella ha conocido una nueva situación que la abate y no se imagina el futuro. Él simplemente sobrevive día a día, de una manera poco consciente de su vida y del futuro de su hijo y de su hermana en una Europa sumida en la crisis económica y social. Ali come cuando quiere y puede, fornica cuando una mujer se lo permite, pelea cuando la paga es buena. Stéphanie se entrega a su nueva vida, la acepta y busca otra razón de ser. Los dos cambian cuando se relacionan de manera fortuita, poco tradicional, casi sin sentido. Lo curioso es que estos dos personajes se corresponden muy vagamente con los que habitan Rust and bone, el libro de cuentos del norteamericano Craig Davidson que inspiró el guión escrito por Thomas Bidegain y el propio Audiard. Tomaron los ocho relatos, combinaron situaciones y protagonistas, cambiaron detalles de aquí y allá y entonces surgió la trama medular del film. Eso sí: conservaron el espíritu sórdido con olor a perdedor del original literario.

De forma un tanto caprichosa, los guionistas dan por sentadas varias situaciones que nos ponen a pensar como espectadores. Jamás sabemos con certeza por qué Ali tiene que hacerse cargo de Sam y viajar hasta Antibes. Suponemos la necesidad de buscar refugio en una figura femenina con familia estable. Cabe la duda sobre su pasado como boxeador. Al principio Stéphanie sufre un percance en una discoteca y sabemos que vive con un hombre, pero este personaje no vuelve a aparecer en las terribles circunstancias que ella debe enfrentar. No conocemos su existencia anterior ni su lugar de origen ni por qué se convirtió en entrenadora de peligrosas orcas. Ambos seres están allí, sin mayores explicaciones. Cuando Ali responde a la llamada de Stéphanie, descubre a una mujer muy diferente a la que conoció. Ahora es una persona derrumbada, inútil, víctima de un desgraciado incidente. La trata con normalidad, como si no hubiera sucedido nada y la anima a recuperar el control de su vida. El guión primero establece un contraste marcado entre ambos personajes y luego permite una relación con detalles poco usuales que buscan la normalidad. Las vidas de ambos se entrelazan a través de las apuestas del boxeo, el sexo sin compromiso, la reconstrucción de sus afectividades. Nada será igual.

De óxido y hueso se fundamenta de manera esencial en las interpretaciones de la francesa Marion Cotillard y el belga Matthias Schöenaerts, realmente sobresalientes en la comprensión y expresión de estos dos seres humanos. Pero también en la puesta en escena de Audiard, dedicada a transmitir las experiencias y las emociones de los protagonistas y a involucrar al espectador en el drama de estos dos supervivientes. Destacan los efectos de producción que detallan el cuerpo de Stéphanie y los puños de Ali, de forma perfectamente convincente, así como la magnífica fotografía de Stéphane Fontain. Un renglón aparte merece la música original de Alexandre Desplat y la banda sonora en general que incluye piezas de Katy Perry, Likke Li, Bon Iver y el propio Bruce Springteen.

Audiard ha vuelto a crear una obra muy personal, sin concesiones para sus personajes y para el público, que trastoca la lógica del drama. De óxido y hueso es, sin duda, una de las mejores películas del 27° Festival de Cine Francés de Caracas. No se la pierda.

DE ÓXIDO Y HUESO (De rouille et d’os), Francia y Bélgica, 2012. Dirección: Jacques Audiard. Guión: Jacques Audiard y Thomas Bidegain sobre l libro de relatos  homónimo de Craig Davidson. Producción: Pascal Caucheteux. Fotografía: Stéphane Fontaine. Montaje: Juliette Welfling. Música original: Alexandre Desplat. Dirección de arte: Michel Barthélémy. Intérpretes: Marion Cotillard, Matthias Schöenaerts, Céline Sallette, Bouli Lanners, Armand Verduse, Corinne Masiero, Jean-Michel Correia. Distribución: Cinematográfica Blancica.

PADRE E HIJA

Un dato firme: fue la película argentina más taquillera de 2010 en su mercado nacional. Casi 800 mil personas fueron a verla. Las claves de ese éxito hay que buscarla en su historia. Buenos Aires, tiempo actual. Freddy es un solterón de 41 años que gasta sus noches seduciendo mujeres jóvenes. Es un metrosexual que hace ejercicios, se pinta las canas, celebra con champán y se hace llamar asesor de empresas, aunque en el fondo es un oportunista que hace cualquier cosa por la guita y las minas. No acepta compromisos de largo aliento ni le interesan las responsabilidades. Hasta que conoce a Aylin, de 23 años, simpática, guapa, entradora. Quiere llevarla a la cama. El problema es que la chica es su hija -producto de un antiguo romance fugaz- y él no lo sabía. Además, está embarazada, es decir, Freddy será abuelo. Fin de mundo. Esta es la anécdota de Igualita a mí, comedia de Diego Kaplan que retoma el viejo tema de la inmadurez emocional masculina. Un hombre se niega a crecer y a comprender las etapas de su vida. Hasta que una mujer lo confronta. En realidad dos mujeres lo ponen en su sitio. El asunto funciona y establece un vínculo efectivo con los espectadores. Pero lo importante del film no está en esta anécdota, si se quiere predecible, sino en las implicaciones del aprendizaje afectivo tardío.

Kaplan es un realizador que viene de la televisión argentina, donde ha trabajado desde 1997. En 2002 dirigió su primer largometraje ¿Sabés nadar?, en el campo del cine independiente, y ante el fracaso de taquilla volvió a la TV y se dedicó a dirigir mini-series y varias piezas publicitarias. Se nota que es un director con oficio. Sabe manejar actores y situaciones dramáticas. Con Igualita a mí regresó al cine con mayor firmeza y éxito. Un film comercial que divierte y, de paso, pone a pensar al público. El año pasado filmó Dos más dos, cuya anécdota se fundamenta en el intercambio de parejas. Ha recibido críticas de distinto tenor, pero es evidente que busca la continuidad del favor del público manejando el asunto de las carencias emocionales.

La idea original de Igualita a mí es de Adrián Suer, el actor argentino en boga, con experiencia no solo en las tablas sino también como guionista y director de televisión. A partir de la situación dramática del encuentro fortuito y desconcertante entre un padre y su hija, los guionistas Juan Vera y Daniel Cúparo elaboraron una historia que tiene mucho de relato de televisión —personajes definidos en breves trazos, pocos escenarios, buena utilería, iluminación más o menos pareja— para trabajar las angustias y contradicciones de Freddy, quien va evolucionando a pesar suyo desde sus veinte años (“no quiero que esta noche acabe nunca”) hasta su madurez cuarentona (“no quiero que esta noche acabe nunca”, de nuevo) tratando de evitar el paso del tiempo. Freddy representa, además, a una generación de jóvenes argentinos de los noventa, antes de la crisis económica de los primeros años del nuevo siglo, que ha sobrevivido a gobiernos, desfalcos, devaluaciones, inflación y otras menudencias. Una generación que evidencia deterioro físico y afectivo.

La confrontación más determinante de la película de Kaplan no tiene que ver con losaffaires del protagonista, sino que se ubica en un plano más personal y ético. Aylin coopera con su padre en la compra de un viejo edificio porteño donde se construirá un complejo urbano. En esa operación se pone de manifiesto la mentira como modus operandi en los negocios contemporáneos. Freddy no solo miente para seducir chicas, también para engañar incautos. Aylin lo arrincona. El otro combate afectivo lo libra con Elena, la peluquera que le pinta las canas y conoce sus secretos y debilidades.

Igualita a mí se sustenta dramáticamente sobre las actuaciones que hacen Adrián Suar de Freddy y Florencia Berlotti de Aylin. Ambos intérpretes evidencian el conocimiento de su oficio. Berlotti, por su parte, es muy conocida como protagonista de la serie televisiva Floricienta y de una docenas de seriales más. La tercera pieza del elenco se halla en Claudia Fontán, excelente actriz que de pronto revitaliza un personaje secundario y lo pone a conducir parte de la trama. Creo que al film le sobran unos quince minutos, pues pareciera no encontrar un final coherente. Pero llega a una resolución esperada.

IGUALITA A MÍ, Argentina, 2010. Dirección: Diego Kaplan. Guión: Juan Vera y Daniel Cúparo, sobre una idea de Adrián Suar. Producción: Juan Pablo Galli, Juan Bera, Alejandro Cacetta. Fotografía: Félix Monti. Montaje: Alejandro Carrillo Peni. Dirección de arte: Mercedes Alfonsín. Elenco: Florencia Bertotti, Adrián Suar, Claudia Fontán, Gabriel Chame, Ana María Castel, Juan Carlos Galván, Andrers Ciavaglia. Distribución: Amazonia Films.

Cada año el Festival de Cine Francés despierta las expectativas de los cinéfilos más exigentes, ya habituados a esta cita de mayo que ofrece perspectivas distintas a la cartelera. Desde el fanático radical que se desplaza de una sala a otra tratando de ver el mayor número de películas al aficionado ocasional que asiste a las proyecciones una o dos veces a la semana. Lo cierto es que esta 27ª edición, que comienza este viernes 10, agrupa dieciséis largometrajes recientes en su sección oficial y ocho en sus espacios alternativos. Lo cual significa veinticuatro obras en una quincena. Para abarcarlas todas habría que ver doce cada semana. Consciente de esta situación, he elaborado mi primera lista de películas que debo ver o recomendar. Después veré las otras. Las comparto con ustedes.

Para empezar, les propongo los filmes que constituyen el homenaje que le rinde el festival a Juliette Binoche, gran dama de la escena francesa e internacional, ganadora de todos los premios posibles, incluido el Oscar en 1996 por su trabajo en El paciente inglés, de  Anthony Minghella. Destaco tres producciones recientes interpretadas por la actriz: Copia certificada (Copie conforme), del laureado realizador iraní Abbas Kiarostami, sobre la relación que se teje entre un hombre y una mujer que se conocen en un pequeño pueblo de la Toscana; Ellas (Elles), de la cineasta polaca Malgorzata Szumowska, en torno a los criterios éticos de una periodista que investiga sobre la prostitución estudiantil; y A corazón abierto (A cœur ouvert), de Marion Laine, sobre dos cirujanos cardíacos, casados y felices, que descubren los riesgos emocionales de la maternidad. Esta última es protagonizada por el venezolano Edgar Ramírez. Son tres buenas opciones.

También se proyectará el documental Juliette Binoche, una mirada íntima, dirigido por su hermana Marion Stalens. Las otras películas que forman parte del homenaje a Juliette Binoche son Mala sangre de Leos Carax, El húsar sobre el tejado de Jean-Paul Rappeneaud, Liberación del israelí Amos Gitai y Las horas del verano de Olivier Assayas, proyectadas anteriormente en el país.

Del resto de la programación he elegido cuatro para recomendarles en los próximos días. La primera es una imperdible: De óxido y hueso (De rouille et d’os), sólido drama de Jacques Audiard, sobre las enseñanzas del dolor y el amor entre dos seres muy distintos, protagonizado por la magnífica Marion Cotillard y Mathias Schoenaerts. Es una obra muy sensible e inteligente que aborda un tema difícil y lo desarrolla con fluidez y tino. Me gustó mucho. Recuerden que Audiard es el director de la excelente Un profeta, que se estrenó dos años atrás.

Le sigue la muy premiada El ejercicio del poder (L’exercise de l’Etat), segundo largometraje de Pierre Schoëller, sobre el laberinto de la política en Francia. Un drama muy bien construido. Con Olivier Gourmet, Michel Blanc, Zabou Breitman y Silvain Deblé. Ganó el Premio de la Crítica Internacional y tres premios Cesar al actor secundario (Michel Blanc), al guión original y al sonido. De verdad impactante.

La tercera es la comedia Las mujeres del 6° piso (Les femme 6ème étage) de Philippe Le Guay, que se traslada al París de los años sesenta, cuando muchachas españolas trabajaban como domésticas, para contar una historia de amor muy divertida y para desmontar los mecanismos de la discriminación social. Fur protagonizada por Fabrice Luchini, Natalia Verbeke, Lola Dueñas y Carmen Maura, quien ganó el Cesar como actriz secundaria por este trabajo.

Finalmente, Potiche, mujeres al poder (Potiche) la nueva película del polémico François Ozon que es presentada como una comedia aunque tiene mucho de drama. A finales de los años setenta, una esposa sometida y subestimada por su marido descubre sus potencialidades como empresaria y como ser humano al ponerse al frente de la empresa que dirige su esposo. La eterna Catherine Deneuve compone cabalmente el personaje de Suzanne, secundada por Gérard Depardieu, Fabrice Luchini y Sergi López. En 2010 fue todo un éxito de público en Francia.

La próxima semana les haré nuevas recomendaciones.

No se trata solo de impugnar una elecciones que cada día se revelan aún más fraudulentas ni de desconocer a un presidente ilegítimo por esta razón y otras más. Se trata de entender que todo el Estado se encuentra en el terreno de la anormalidad. En Venezuela los Poderes Públicos conforman un aparato de dominación autoritaria que pretende mantener un status quo doloso, influido de manera determinante por el gobierno cubano. Ese Ejecutivo falaz surgido tras las manipulaciones de los comicios del 14 de abril actúa de manera arbitraria, sin fundamento jurídico y se encuentra en entredicho tanto en el plano venezolano como en el internacional. El Poder Electoral ha ratificado, una vez más, su condición de gestor comicial del Ejecutivo y a la presidente del Consejo Nacional Electoral —se le vence ya su periodo— desestima públicamente las argumentaciones presentadas por el líder de la oposición. El Poder Judicial ha desarrollado una conducta perversa y desvergonzada al servicio también del Ejecutivo y la Presidenta del Tribunal Supremo de Justicia —cuyo período ya está vencido— emite  opinión a destiempo al decir que la solicitud de recuento de votos que exigió Henrique Capriles Radonski no tenía base legal. El Poder Legislativo está en manos del “hombre duro” del régimen y se comporta como un comisario político del parlamento que impide ejercer el derecho a la palabra a los diputados democráticos. La Defensora del Pueblo opta por ignorar las denuncias con su cara de “yo no fui”. Desde la muerte de Clodosvaldo Rusián, en junio de 2011, no hay titular de la Contraloría General de la República. Tenemos una Procuradora encargada. La cúpula de la FANB es groseramente parcial. No hay instancia del Estado en Venezuela que e atenga a la Constitución Nacional. No sólo hay que impugnar una elecciones fraudulentas y exigir nuevos comicios. Llegado su momento habrá que desconocer un Estado ilegítimo.

Los oscuros mecanismos detrás de las estrategias electorales constituyen el nervio central de la trama de Poder y traición (“The Ides of March”), cuarto largometraje dirigido por George Clooney en el que reitera sus planteamientos políticos y éticos, esta vez con especial énfasis en las maniobras de persuasión. Concebido y desarrollado como un film de suspenso, narra las experiencias del joven asesor de campañas políticas Stephen Meyers (muy bien interpretado por Ryan Gosling) al servicio de Mike Morris (el propio Clooney), gobernador demócrata de Pensilvania que busca la candidatura presidencial de su partido. Pronto el ascendente asesor descubre el entramado de traiciones e intrigas dentro de la misma organización política y percibe que en el juego de las verdades hay mucho de mentira. Un tema que, si bien no es nuevo, esta vez ha sido trabajado de forma inteligente a partir un guión de Clooney, Grant Heslov y Beau Willimon, inspirado en de la obra teatral Farragut North, de este último. Tal vez lo más importante reside en el enfoque despiadado que propone el director sobre la transmutación de los valores morales en una actividad que debe fundamentarse sobre una estructura normativa de carácter ético como la Constitución de un país, en este caso el más poderoso del planeta. Es una tragedia vivida por individuos que actúan sobre la población de un colectivo nacional que tiene alcance mundial.

El actor, productor y director nacido en Lexington, Kentucky, hace cincuenta y dos años, propone un nuevo drama sobre lealtades y chantajes, como lo ha hecho en sus filmes anteriores: la insólita comedia dramática Confesiones de una mente peligrosa (2002), el drama sobre la manipulación de la televisión y la política Buenas noche y buena suerte(2005), ambientada en la época del maccarthismo, y la extraña y olvidada comedia sobre el deporte profesional Jugando sucio (“Leatherheads”, 2008). En todas ellas aborda la confusión entre las verdades y las apariencias. También en Poder y traición, aunque esta vez lo hace con mayor desparpajo. Todos sus personajes se encuentran en los mecanismos del histórico Partido Demócrata —fundado a finales de los los veinte del siglo XIX por Andrew Jackson y hoy en el poder con Barack Obama— pero no todos representan una misma postura ideológica. En realidad, éstas se adaptan a las necesidades de ganar la contienda interna para luego enfrentar al candidato del Partido Republicano. La ideología pasa a un segundo plano y en la historia se conforma una representación casi religiosa de  la victoria, el poder y la trascendencia.

No se trata de enfrentar a demócratas con republicanos, a derecha con izquierda, a buenos con malos, sino de identificar conductas de deslealtad en un mismo bando, con la motivación del poder y del dinero. El Partido Demócrata anida una amplia variedad de posiciones políticas que va desde un conservadurismo moderado hasta una izquierda tímida, pasando por el liberalismo clásico y la socialdemocracia. En la trama Meyers aparece como la mano derecha del director de la campaña Paul Zara (con la fina actuación de Philip Seymour Hoffman), quien busca el fundamental apoyo del estado de Ohio, a través de un acuerdo con el senador Thompson, de clara tendencia conservadora, para garantizar la candidatura de Morris a la Casa Blanca. El primer punto de trama se halla cuando el joven asesor es abordado por Tom Duffy (el siempre eficaz Paul Giamatti), jefe de la campaña de Pullman, el otro precandidato demócrata, y le ofrece un puesto de importancia en la campaña del bando contrario que ya habría negociado el soporte de Thompson. Es una situación difícil  Meyers se niega a pasarse de bando pero inevitablemente se verá involucrado en una trama retorcida y perversa en la que nada es lo que parece. Un conflicto de intereses se convierte en el detonante de una traición entre quienes manejan el poder ante el mundo. Un film incómodo para muchos. No es gratuito que haya sido postulado a los premios del Oscar, los Globos de Oro y la Academia Británica de Cine y TV, en varias categorías incluyendo película, guión, actuación y dirección. No ganó ninguno.

En la escena segunda de Julio César, pieza fundamental de William Shakespeare, el Adivino dice “César, cuídate de los idus de marzo”, aludiendo a la inminente conjura para asesinarlo. En el caso de Los idus de marzo, título original del film, existe no una sino varias conjuras para eliminar políticamente a Mike Morris, como recreación contemporánea de un Cayo Julio César que apunta a la Presidencia de EE.UU. y a su influencia en el mundo, pero los protagonistas de tales acciones son diferentes y cambiantes. Las lealtades se derrumban y Meyers se enfrenta a Paul Zara y éste a Tom Duffy y éste a Thompson y éste al propio Morris. Pero la principal intriga y manipulación se desarrolla entre el candidato demócrata y su asesor de campaña. En el medio de todo se encuentra una joven interna que trabaja en la campaña y de familiar tradición demócrata. A medida que avanza la trama el espectador se pregunta quién es el héroe y quién el villano. Vana interrogación. Por algo la imagen publicitaria del film confunde los rostros de Meyers y Morris gracias a la portada de la revista Time, con el titular Is this man de next President?. Lo dicho, dicho está.

¿Siempre es así la actividad política? Desde luego que no, pero la historia se encuentra llena de situaciones como la descrita en Los idus de marzo. Tanto en EE.UU. como en el resto del mundo. No verlas sería estúpido.

El sesudo guión de Glooney, Heslov y Willimon se desarrolla con paso firme, con detalles sorprendentes y una estructura férrea que no deja cabos sueltos. Todos los personajes cumplen una función, desde los principales hasta los secundarios. Los conflictos avanzan en sus implicaciones morales y éticas. A veces Poder y traición me recordó películas sobre la corrupción del poder como Serpico (1973) y sobre las estratagemas de las campañas como Poder que mata (Network, 1976), ambas de Sidney Lumet. También rememoré los límites entre lo legal y lo ilegal en la hermosa Klute(1969)  y los entretelones de la caída de Richard Nixon en Todos los hombres del presidente (1976), dos grandes filmes de Alan J. Pakula. Estos maestros cinematográficos de la indagación crítica en la sociedad norteamericana del siglo pasado han ofrecido visiones demoledoras. Clooney añade ahora su nombre a esta tendencia que ha dado piezas esenciales.

Como narrador, Clooney ejecuta una puesta en escena muy sobria y realista que juega con el suspenso pero no banaliza la médula de su historia. No sólo quiere sorprender al espectador con los detalles de su trama sino conducirlo hasta un estado de atención sobre situaciones en las que se revelan los secretos y las verdades ocultas de la actividad política. Se vale de factores de producción de especial calidad como la fotografía de Phedon Papamichael, el montaje de Stephen Mirrione y la música de Alexander Desplat. Como actor, se ha encargado de elegir un elenco de eficientes intérpretes, como Ryan Gosling, Paul Giamatti, Philip Seymour Hoffman, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood y él mismo. Sabe dirigir a sus colegas y logra extraerles lo mejor de sus talentos. Un lujo. Pero lo más importante es que su cuarto largometraje reafirma su condición de autor contemporáneo. Es la expresión de otro Hollywood.

PODER Y TRAICIÓN (The ides of march), EE.UU., 2011.  Dirección: George Clooney. Guion: Clooney, Grant Heslov y Beau Willimon, sobre la obra teatral “Farragut North”, de Beau Willimon. Producción: Clooney, Grant Heslov y Brian Oliver. Fotografía: Phedon Papamichael. Montaje: Stephen Mirrione. Música: Alexander Desplat. Elenco: George Clooney, Ryan Gosling, Paul Giamatti, Philip Seymour Hoffman, Marisa Tomei y Evan Rachel Wood. Distribución: Cinematográfica Blancica.

EL IMPACTO DE UN ACCIDENTE

Después de doce años sin filmar con personajes de carne y hueso, Robert Zemeckis regresa con un thriller que ha puesto en evidencia su capacidad narrativa y su sabio manejo de actores. El vuelo (Flight) se construye como un drama contemporáneo que ofrece varias lecturas al espectador. En primer lugar abre con una de las más impactantes escenas aéreas que se recuerde y expone la responsabilidad personal de un piloto en la salvación de un centenar de personas en un accidente aéreo. En segundo término, propone una reflexión sobre las adicciones y la incapacidad de asumir una patología contemporánea. Finalmente, trabaja el manejo de los valores en crisis ante situaciones inesperadas. La historia se desarrolla de manera sencilla pero plena de significaciones. Whip Whitaker es un experimentado piloto de aerolíneas comerciales que abusa del alcohol y la cocaína. Después de una apasionada noche de juerga con una azafata, consume dos líneas, se calza los lentes de sol y emprende un vuelo que se inserta en una amenazadora tormenta. Desastre inminente. Lo que estaba previsto que sería un siniestro se convierte en una operación de salvamiento sorprendente. Whip aterriza la aeronave aparatosamente en un campo donde está una pequeña iglesia, pero preserva las vidas de la tripulación y de más de cien pasajeros. Solo mueren seis personas, incluida la azafata con quien compartió borrachera y sexo la noche anterior. El piloto irresponsable se convierte en un héroe. No obstante, las cosas no son fáciles y pronto comienza una investigación para saber cuáles fueron las causas de la situación que puso en peligro la vida de tantas personas. Todo se le complica al piloto. Y comienza el cruce de conflictos.

Muy bien interpretado por Denzel Washington, el rol que juega Whip Whitaker en esta historia es fundamental. Se trata de un hombre atrapado por sus contradicciones y sus adicciones. Siente que no tiene escapatoria. Su matrimonio fracasó y su hijo le ha perdido respeto. Para colmo, su representante sindical y su abogado le indican que los exámenes de sangre delatan que estaba pilotando borracho y drogado. El juicio es inminente. No basta con que quiera abandonar el alcoholismo y las drogas. No es suficiente que quiera superar el estilo de vida que ha llevado. Ahora debe enfrentar su responsabilidad. En varios planos. Lo que en principio aparece como una anécdota relativamente sencilla va derivando a una trama más compleja que permite la observación de las conductas patológicas de un hombre que arrastra su culpa y desarrolla su autodestrucción sistemática y permanente.

Autor de películas fundamentales y diversas en el cine estadounidense de finales del siglo pasado, como El náufrago, Forrest Gump, ¿Quién engañó a Roger Rabbit? y la trilogía deVolver al futuro, Zemeckis se había dedicado en la última década a la producción y dirección de filmes de animación como Cuentos de Navidad, Beowulf y Expreso Polar. Esta experiencia se pone de manifiesto al construir las escenas más hiperrealistas de Elvuelo, para envolver al público en el impacto emocional que implica un accidente aéreo, y al elaborar una densa atmósfera afectiva respaldada por la fotografía de Don Burgess, la música de Alan Silvestri y el diseño de producción de Nelson Coates. Pero éste es apenas un punto de partida dramático. Un poco antes ha mostrado el estilo de vida de Whip y su actitud ante su entorno humano y familiar. Con estos recursos iniciales Zemeckis establece un curso narrativo que combina el conflicto interno de su personaje y la presencia antagónica del mundo que lo rodea. Maneja los contrastes de manera sutil pero convincente. Por ejemplo, el acoso judicial que puede condenarlo a cadena perpetua se contrapone a la relación que establece con Nicole, la mujer que intenta llevarlo a Alcohólicos Anónimos de manera infructuosa. Whitaker atraviesa una ruta de obstáculos, de falsas ilusiones, de condiciones adversas, comenzando por él mismo.

De esta complejidad narrativa surge la médula conceptual del film. El accidente aéreo no se produce como consecuencia de la borrachera de Whitaker, pero esta condición prevalece en su condena legal, aunque su experiencia le haya permitido salvar la vida de pasajeros y tripulantes. El aspecto procedimental se impone sobre la pericia que logra salvar vidas. El héroe que miente tiene que superar su rechazo a la verdad, tanto la personal como la colectiva. A través de un ajuste de cuentas íntimo puede colocar las cosas en su sitio. Cada personaje emprende su propia ruta. El relato cierra con una secuencia que ha sido controvertida pero que desde mi forma de ver se desencadena bajo una lógica narrativa, producto del ingenioso guión de John Gatins.

Tal vez El vuelo sería un film distinto si no hubiese contado con la actuación de Washington. Precisa, comedida, sin excesos. Trabaja un personaje difícil, poco parecido a un héroe. Le otorga complejidad. Nunca in curre en la sobreactuación. La coordinación de un buen director y un buen intérprete se revela, de nuevo, como un factor fundamental. A su lado destacan la convincente Kelly Reilly, el eficaz Don Cheadle, el gran John Goodman, Bruce Greenwood, Brian Geraghty y Melissa Leo. Ciertamente un elenco muy profesional.

VUELO (Flight) EE UU, 2012. Dirección: Robert Zemeckis. Guión: John Gatins. Producción: Laurie MacDonald, Cherylanne Martin, Walter F. Parkes y Robert Zemeckis. Fotografía: Don Burgess. Montaje: Jeremiah O’Driscoll. Música: Alan Silvestri. Sonido: Ed Novick. Diseño de producción: Nelson Coates. Elenco: Denzel Washington, Kelly Reilly, Don Cheadle, Bruce Greenwood, Brian Geraghty, Melissa Leo. Distribución: Cinematográfica Blancica.