EL ARTISTA, LA LIBERTAD Y EL PODER

Al concluir la función de El gigante de mármol, el espectador guarda una impresión de trascendencia. Más allá del disfrute de la representación, comienza su permanencia en la memoria y en la reflexión. Porque la nueva obra de Luigi Sciamanna no se limita a observar a Miguel Ángel Buonarroti en la creación de su David, obra cimera del arte universal. Lo más importante del texto es que le otorga al Renacimiento una dimensión mayor a la tradicional, es decir, la de un importante movimiento artístico de la Europa de los siglos XV y XVI, y entra a definirlo como una poderosa vertiente de transformación cultural, social, religiosa y, sobre todo, política en la época de los grandes descubrimientos, las rupturas conceptuales, la lucha constante entre el poder de la fe y el surgimiento de un nuevo modelo económico. Todo esto en el marco de la República florentina y de su rivalidad con el dominio espiritual y militar de Roma y el Vaticano. En ese escenario histórico Sciamanna ubica a sus personajes para expresar el permanente combate del artista por su libertad frente a las limitaciones del poder. De cualquier forma de poder. Es la rebelión del individuo ante la hegemonía de un feudalismo que comienza su declive para abrir camino a un incipiente capitalismo y ante un imperio de base religiosa que ya había padecido la Reforma protestante. Buonarroti era un agente del cambio que cabalgó sobre las grandes mutaciones del mundo de su tiempo. Era un artista.

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EL DUELO VERBAL DE GABRIEL Y ELOY

La revolución de  Isaac Chocrón es una obra que permanece. Cuando se estrenó en 1971, en el país se había consolidado una democracia en medio de las dificultades. Aún no había llegado la Venezuela Saudita del primer gobierno de Carlos Andrés Pérez. Bajo la dirección de Román Chalbaud y con las actuaciones de Rafael Briceño y José Ignacio Cabrujas, la pieza manifestaba lo que éramos como sociedad a través del reconocimiento de la decadencia en una pareja homosexual, como metáfora de lo particular inserto en lo general. Como muchas parejas (homo y heterosexuales) Gabriel y Eloy trataban de encontrar la salida a una crisis inevitable mientras ejecutan una nueva representación de un espectáculo también decadente con cada vez menos éxito. Casi veinte años después, en 1990, Armando Gota realizó el segundo montaje de La revolución en el Ateneo de Caracas, con las interpretaciones de Gustavo Rodríguez y Mariano Álvarez, acentuando las connotaciones sociales de la crisis de la pareja y de un país que había atravesado los ochenta con el terrible gobierno de Jaime Lusinchi, y comenzaba la segunda administración de Pérez, con el gran viraje que introdujo en las conductas de los venezolanos. Diecisiete años más tarde, en marzo de 2007, Héctor Manrique y Basilio Álvarez dirigieron e interpretaron el tercer montaje en el Centro Cultural BOD Corp Banca, que analicé en su momento. En todos estas adaptaciones Gabriel quiere su “revolución”, su transformación, su nueva vida y la felicidad. Eloy prefiere preservar el orden donde vive, no cambiar nada, seguir así hasta la muerte, es decir, hasta que acabe el espectáculo. Ahora La revolución vive una cuarta oportunidad en el teatro Premium pues Gota pone en escena por segunda vez su comprensión de la pieza, de nuevo con la actuación de Gustavo Rodríguez y en esta oportunidad con el trabajo interpretativo de Alejandro Corona. Lo dicho: es una obra permanente.

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Pieza emblemática de un tipo de teatro británico, La ratonera constituye el paradigma determinante de la obra literaria de Agatha Christie. Sintetiza su fórmula más certera y productiva para establecer un estilo propio, tanto en sus novelas como en su trabajo teatral. El juego de las apariencias atraviesa cualquiera de sus historias y especialmente esta trama de equivocaciones. ¿Quién es quién en este juego? En la respuesta a esta pregunta reside su éxito durante seis décadas. Ocho personajes reunidos en el salón de una vieja mansión convertida en casa de huéspedes, en las afueras de Londres, van revelando secretos del pasados en una situación confusa que involucra un crimen. Recuerdo vagamente el montaje que en 1972 realizó Juan Lamata en el desaparecido Teatro Las Palmas y tengo entendido que Daniel Uribe la puso en escena durante el Festival Interclubes de Teatro del año pasado. Su trama estaba perdida en mi memoria hasta que vi su representación en el Centro Cultural BOB Corp Banca, bajo la dirección de Vladimir Vera y la producción de Nohely Arteaga y Catherina Cardozo. Una propuesta de buen teatro comercial llevada adelante con profesionalismo.

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LA VISIÓN DE ULIVE Y ÁLVAREZ

Solo un profesional de la experiencia y el conocimiento de Ugo Ulive podía encarar una comprensión de Hamlet tan audaz y desconcertante como la que el Grupo Skena ha  montado bajo la dirección de Armando Álvarez. Una adaptación que sintetiza y compacta en noventa minutos la esencia del extenso drama de William Shakespeare, tal vez su obra más versionada en el mundo, a través de una interpretación muy precisa de su conflicto medular. La duda ante la venganza y el poder se convierte en la fuerza motriz de su condena a la madre y a los mecanismos que operan políticamente en la Corona tras la muerte del Rey. Triste destino de un príncipe danés que no puede y no quiere controlar sus afectos y sus frustraciones. Este no es el Hamlet que estamos acostumbrados a ver, aunque después de pensarlo un poco identificamos de manera nítida sus claves básicas. Ulive las extrapoló y las convirtió en un discurso dramático denso y con peso de tragedia irreversible, mientras Álvarez las escenificó con la articulación de diversos recursos, algunos muy sencillos pero todos bastante efectivos. Desde que se estrenó, hace más de cuatro siglos, Hamlet es un reto.

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EXILIO EN DOS DIMENSIONES

Entendemos el exilio como la sustracción de su país que sufren seres humanos por razones políticas. Muchos españoles salieron con sus heridas abiertas tras concluir la Guerra Civil y miles de cubanos enfrentaron el desarraigo al conolidarse la revolución de Fidel Castro. De la misma manera como tantos venezolanos padecieron el destierro durante las dictaduras del siglo pasado. No importa si huían de regímenes de derecha o  izquierda o si eran ricos o pobres. Lo medular se halla en la ausencia forzada de la tierra a la cual pertenecen. Pero existe otra manifestación del exilio ubicada en la lejanía del afecto, en el desafuero emocional, en el extrañamiento de la persona amada. Ambos son muy duros y a menudo viajan juntos. Es lo que sentí al ver Mientras te olvido, pieza del periodista y dramaturgo venezolano Andrés Correa, radicado en Nueva York, que aborda la dimensión afectiva de un drama que se presenta de manera colectiva pero se vive de forma individual.

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LA OPORTUNIDAD DEL AMOR

Son varias las ideas fundamentales que atraviesan De todas todas, pero tal vez la más importante es aquella que reivindica la oportunidad del amor en tiempos de incertidumbre afectiva. La pieza de José Simón Escalona revisa las vidas de dos hombres que han compartido una relación durante diez años y, de pronto, se encuentran en un turning point. El señor se enfrenta al paso de los años y a la inminente pérdida de su compañero sentimental. El joven encara lo que considera su propio camino y opta por un matrimonio heterosexual… pero no quiere perder la amistad —así la define— de su protector señor. Cada cual acepta su momento de manera individual, adornando la realidad, mintiéndose a sí mismos, llamando las cosas con otros nombres. Supuestamente la manzana de la discordia es esa mujer —nunca la vemos— que los separa pero en el fondo las barreras son puestas por ellos mismos. Por sus miedos, sus incertidumbres, sus pérdidas. Es una relación afectiva que ha superado ciertas etapas y se aproxima a la crisis, es decir, a la nueva oportunidad del amor. Como cualquiera otra pareja. Creo que, en los últimos años, Escalona no había propuesto un texto tan íntimo y complejo. Eso se agradece.

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EL RETORNO DE DIANA PATRICIA

El lugar común con aspiraciones históricas ha definido a Manuela Saenz como la amante de Bolívar, aunque en realidad fue mucho más que eso. Más allá de la frase “la libertadora del Libertador”, los venezolanos hemos ido comprendiendo su aporte fundamental en la independencia de buena parte de Sudamérica. Su obra y figura ha adquirido el carácter de un mito que ha inspirado biografías, novelas, películas y ahora un espectáculo de danza-teatro bajo la conducción de la bailadora Diana Patricia. Yo, Manuela Saenz combina el flamenco y lo sinfónico para contar en dos actos la vida de esta patriota quiteña que dedicó su vida a la libertad y al caraqueño universal. En esta ocasión, el énfasis está puesto en su condición de luchadora por la emancipación de las nuevas repúblicas americanas y por los derechos de la mujer. Su niñez, su adolescencia, su incorporación a la causa independentista, su relación con el Libertador y su exilio en Paita, Perú, donde pasó sus últimos años, constituyen los momentos medulares de la obra, expresados a través de veintiuna coreografías, todas concebidas, dirigidas e interpretadas por la fundadora de la academia Rocío Estudio Flamenco. En su regreso al escenario, Diana Patricia dirigirá a casi un centenar de artistas, entre ellas setenta de sus alumnas, de todas las edades, otros bailarines profesionales, tres cantaores y un grupo de músicos en vivo con dos guitarras flamencas, una guitarra electro-acústica, dos percusionistas, una bandolina, una flauta y una palmera jaleaora. Solo habrá dos funciones en la sala Ríos Reyna del Teatro Teresa Carreño: el sábado 14 de julio a las 6:00 pm y el domingo a las 4:00 pm. Las entradas se adquieren solo en las taquillas del teatro. Ya lo saben.

LA FURIA Y LA SUMISIÓN

Danny y Joel. Dos policías al margen de la ley, dos amigos de toda la vida, dos personalidades distintas que se enfrentan y reconcilian, dos actitudes cómplices ante la violencia en el marco de dos espacios escénicos: una casa y una comisaría. Esta permanente dualidad constituye la línea dramática de Una lluvia constante, pieza del dramaturgo y guionista norteamericano Keith Huff montada en Caracas por el Grupo Actoral 80 bajo la dirección de Héctor Manrique. Aparentemente estamos ante la dilemática situación del policía bueno y el policía malo, pero el autor y el director se encargan de dejar en claro que ninguno es bueno o, dicho de otra forma, que ambos son malos. De una parte se halla la tiranía de la furia, de la otra surge la desesperanza de la sumisión. Entre ambos se ubica la corrupción, el asesinato, la venganza y, sobre todo, la incapacidad de asumir la responsabilidad de sus conductas. A todas luces Huff no es un optimista.

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